2021年9月25日至12月19日，UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现“黄锐：抽象之道”。自上世纪70年代末，黄锐以独立艺术家和艺术活动家的身份一直活跃在中国当代艺术的最前沿，他参与发起的中国先锋艺术团体“星星画会”，以及其在中国独特的当代艺术语境下的开拓性实践，都成为中国当代艺术发展历程中不可磨灭的印记。

新闻发布会

UCCA馆长田霏宇

艺术家黄锐

本次展览作为黄锐近十几年最大规模的个展，通过涵盖包括绘画、雕塑在内的数十件作品，系统梳理了黄锐以抽象语言和东亚思想展开创作的重要线索，聚焦呈现艺术家从创作生涯初期至今的抽象创作。其中包括黄锐2021年最新的抽象创作“天、地、人”系列，首次公开展出的2020年油画作品“有道——无道”系列，以及以“早期抽象”“空间”“空间结构”“水墨实验”“装置作品”为线索呈现的多个系列抽象创作。“黄锐：抽象之道”由UCCA馆长田霏宇和UCCA助理策展人张南昭共同策划。

媒体导览

展览现场

自1978年起，黄锐开始对抽象绘画表达展开探索，并于次年底在其作为策划人之一发起的“星星美展”上，展出了多幅绘画作品，其中包括此次于“早期抽象”中展出的作品《无限的空间》，这不仅是黄锐创作的第一件真正意义上的抽象作品，也是那个年代最早公开展示的抽象风格作品之一。黄锐于70年代末及80年代初，对抽象风格进行探索的“早期抽象”作品不仅预示了艺术家之后的风格转向，也是中国步入时代转折期艺术运动与社会变革的生动见证。

80年代初，黄锐开始从个人经验出发，探索抽象程度更高，更具在地性的抽象表达，在重新审视了北京四合院物理与精神空间的交互关系之后，黄锐创作了一系列以“四合院”为名的抽象作品，这是其“空间结构”系列的开端。

1984年，黄锐迁居日本，开始长达15年的旅日生涯，这期间受日式建筑融汇空间、形式和作用于一体的设计思维启发，开始以“空间”系列探索绘画材料、内容和笔触之间的关系，并从日式房屋的结构汲取灵感，采用黑色作为画面的“边框”，赋予绘画更具弹性的精神空间。此次展览还展出了艺术家创作于2015年，与“空间”系列相呼应，作为此系列跨越三十年回响的“空间恢复”系列作品。

“水墨实验”中则呈现了80年代中期，黄锐在旅居日本期间以水墨为媒介对抽象绘画语言展开的探索。受日本同时期活跃的具体派和前卫书法，尤其是前卫书法强调墨迹的飞溅、笔势、笔法所引申出的视觉抽象性的启发，黄锐的水墨作品均采用纯粹的抽象语言、具有强烈的视觉冲击力，而左右分立的构图则似乎试图在两极对立中寻求和解与统一。

与油画颜料和亚麻布凝结于作品表面的关系不同，水墨会渗入宣纸内部，将纸张前后的空间连接起来。80年代中期，黄锐在日本举行展览时会利用这一特性，将水墨画作为空间隔断，悬挂于展厅之中，利用水墨和宣纸的物理属性赋予平面空间以深度。黄锐的大尺幅水墨作品延续了他此前一直对空间关系的关注，可被视为艺术家对空间的一种新的探索与实验。

黄锐的抽象创作持续关注东方美学和哲学思想，尤其是自1983年起开始对道德经以及易经进行研读。周易各个卦象的名字中都蕴含着转折和变革，这种不断地变革也正是黄锐创作的核心理念之一。

2020年，黄锐开始试图在“道”中寻找更有弹性也更加写意的抽象表现，开启了全新的“有道无道”油画系列创作。极简色调的大尺幅油画，浓稠的油彩形成粗糙立体的画面肌理，过度稀释的油彩则营造出水墨流动的晕染效果。“有道无道”的抽象跳脱了天圆地方的秩序结构，不同笔触的质感反差在画布上搭建起自在随性的立体空间。“天、地、人”则呈现了黄锐2021年的最新创作，这些作品中融汇了黄锐近年对《易经》《庄子》等经典文本以天、地、人为基础的宇宙世界观的思考。作品在水墨书法的外观下，混入碎黄麻的油彩，增加了材料实验的不可控性。艺术家在作品中央留出不同形状的洞孔，似乎希望藉此打开想象空间，展开一场关于空间与物质的对话。

另外，黄锐对创作媒介的大胆实践、对东方哲学思想的深入思考，不仅限于其对抽象绘画语言的探索、还扩展至他的装置创作。在此次展览“装置作品”中展出的创作中，既有黄锐将墨转变为直接传递情绪感知的媒介，拓展对墨的使用与表达的艺术实践，也有艺术家针对当下疫情，以全球视野对自然与人类处境互动关联的探讨，以及通过对经典文本《道德经》的研究，在以抽象绘画语言摸索“道”法规律之外，艺术家在装置作品中所埋下的对“道”的隐喻。